Die zum dritten Mal ausgerichtete Generation-Triennale, „Generation 2023“ (bis 20. August) präsentiert mehr als 50 junge Künstler und Künstlerinnen, die aus einem Pool von 1.004 Bewerbungen ausgewählt worden waren. Viele von den Kunstwerken entstanden in der Pandemiezeit, als die Welt, wie wir sie kannten, untergegangen war.
Bevor man sich auf etwas anderes konzentrieren kann, lenkt gleich am Eingang ein Video die Aufmerksamkeit auf sich.
Auf einer vertikal ausgerichteten, rechteckigen Leinwand lösen eine lautlose, rasche Abfolge von Dutzenden menschlicher Gesichter einander ab. Durch das leicht unregelmäßige Tempo entsteht ein Effekt wie bei einer Daumenkino-Animation. Alle Gesichter verzerren sich – die Gesichtszüge weisen Dehnungen auf, die Hautstruktur verändert sich oder die Farben werden neonfarben – bis sie sich in die nächste Person verwandeln.
Das umgemodelte Gesicht
„Face: to put on a face, to remove a face“(2022) von Juho Lehiö
Foto: Stella Ojala/Amos Rex
Das ist „Face: to put on a face, to remove a face“ (Gesicht: Ein Gesicht aufsetzen, ein Gesicht entfernen); die Installation von Juho Lehiö (geboren 2000) ist wie ein Schminktisch gestaltet und verfügt anstelle des Spiegels über einen Bildschirm. Die Make-up-Option existiert zwar noch, aber die letzten Jahre haben eine weitere Möglichkeit eröffnet: In der Online-Welt kann man mit Filtern sein Gesicht bearbeiten und neu gestalten.
Für manche Menschen ist das realer als ihr reales Gesicht. Das war bei einem Kunden von Lehiö in seinem Job als Make-up-Artist der Fall und die Inspiration für dieses Kunstwerk.
Auf der Kehrseite der Installation kann man vor einem ähnlichen Bildschirm mit Kamera sitzen und Filter auf seinem eigenen Gesicht ausprobieren. Beim Blick an Lehiös Make-up-Station vorbei winkt ein weiteres rechteckiges Bild von der Wand.
Schichten, die etwas preisgeben
„Self-portrait with makeup“ (2020) von Johanna Saikkonen
Foto: Stella Ojala/Amos Rex
„Self-portrait with makeup“ (Selbstporträt mit Make-up), ein großes Gemälde von Johanna Saikkonen (1998), ist höher als breit. Der Kopf und die Schultern der Künstlerin füllen den Rahmen; Wenn es sich um ein Foto handeln würde, würde man sagen, dass es nah zugeschnitten sei. Wir blicken leicht nach oben auf sie; die Perspektive erinnert an einen Videoanruf.
Von weitem ließ mich die reiche, vielschichtige Textur auf dick aufgetragene Farbe schließen, aber als ich dem Bild gegenüberstand, stellte sich heraus, dass das nicht der Fall war. Was man sieht, ist die Textur der darunter liegenden Leinwand, die Oberfläche der Haut des Subjekts und das Make-up, das diese Haut bedeckt.
Man erkennt einzelne störrische Haare und die Schatten dieser Haare auf ihrer Stirn. Das Licht kommt von irgendwo über ihr und erzeugt lidschattenartige Schatten um ihre Augen und einen Schatten vom Kinn bis zum Schlüsselbein.
In der Nähe des Gemäldes ist es so, als ob man jemandem nahe genug ist, um zu sehen, dass er Make-up trägt, so dass seine Haut dadurch nicht mehr glatt aussieht, sondern vielmehr verrät, dass weder Haut noch Make-up perfekt sind. Die Farbschichten entsprechen nicht genau den Make-up-Schichten, vermitteln aber den gleichen Effekt. Ist das nicht ein toller Filter?
Eine vielschichtige Auseinandersetzung mit Make-up
”Filter” (2022), von Juulia Vanhatalo
Foto: Stella Ojala/Amos Rex
In „Filter“, filmt sich Juulia Vanhatalo (1999) selbst beim Schminken, aber nicht so, wie man vielleicht denken würde.
Das dreiminütige Video wird auf die Wand einer abgedunkelten Seitengalerie projiziert. In der Sequenz sitzt Vanhatalo vor einer Wand, inmitten einer Projektion, die das Display ihres Laptops zeigt.
Sie sitzt mit Kopf und Schultern in einem weißen Quadrat, das ein neues, leeres Photoshop-Bild darstellt. Mit den Pinseln des Programms überlagert sie ihr Gesicht mit „Make-up“ und trägt sorgfältig Farben für die Grundierung, den Lippenstift und Lidschatten auf.
Im Video wechselt die Projektion auf den Bildschirm ihres Telefons, als sie Instagram öffnet und dort das neue Bild postet. Wir sehen das Make-up ohne Gesicht dahinter. Sie tippt auf das Bild, um es zu vergrößern, steht auf und bewegt sich an ihren Platz, wobei sie ihre Gesichtszüge noch einmal an das Bild anpasst, als würde sie eine Maske aufsetzen. Ihre Augen verdrehen sich, bevor das Video endet, blicken dann in die Kamera und schauen uns an.
Der Soundtrack währenddessen ist das flirrende Retro-Geräusch eines Filmprojektors, als wolle er sagen: „ Nichts hat sich geändert.“ Oder vielleicht: „Schaut, wie weit wir gekommen sind“. Oder eventuell: „Wir sind noch nicht sehr weit gekommen“. Oder sogar: „Das wird langsam langweilig. Wir zeigen der Welt die Projektion einer Projektion einer Person in einer bemalten Maske, aber die Person und die Maske existieren getrennt“.
Die Scherben einsammeln
Eine Scherbe aus „Fragment Collectors“ (2021–22) von Olivia Viitakangas
Foto: Stella Ojala/Amos Rex
„Fragment Collectors“ (Scherbensammler) von Olivia Viitakangas (1999) besteht aus sieben gerahmten Fotografien und einigen Vitrinen. Es dokumentiert einen imaginären Beruf: den Scherbensammler (Viitakangas spielt diese Rolle auf den Fotos, während Liisa Hietanen eine Praktikantin, eine angehende Scherbensammlerin darstellt.)
Die Installation zeigt Vorstellungsgespräche, Verträge, authentisch aussehende Ausweise, ein Kaffeezimmer im Büro und die Früchte der Arbeit: Dutzende gefundener Glasscherben, jeweils in einem winzigen Druckverschlussbeutel und mit Nummer, Datum und Farbe, Maßen, Standortkoordinaten sowie einer Beschreibung („polygonaler Krümel, schieferförmig, zerkratzt und zerquetscht“) beschriftet.
Es ist eine tragikomische, trockene Persiflage des Arbeitslebens, ob man es nun wörtlich oder im übertragenen Sinne nimmt: Arbeiterameisen sammeln und katalogisieren einen endlosen Vorrat einer bestimmten Unterkategorie von Miniaturmüll. Jemand hat eine Sauerei angerichtet, und jemand anderes muss die Glasscherben aufsammeln.
Scherbensammler ist eine so tolle Berufsbezeichnung – man hat das Gefühl, dass es den Beruf tatsächlich geben könnte. Ein nettes Detail ist auch, dass die Vitrinen und Fotos mit Glasscheiben bedeckt sind.
Das Ende von etwas
“The End” (2022) von Amos Blomqvist
Foto: Stella Ojala/Amos Rex
„The End“ von Amos Blomqvist (2004) ist ein etwa 80 Zentimeter großes digitales Bild auf einem in die Wand eingelassenen Bildschirm. Auf einem U-Bahnsteig in Helsinki steht auf einer Anzeigetafel, dass in einer Minute ein Zug ankommt. Der Zielbahnhof wird auf Finnisch und Schwedisch angegeben, beides Amtssprachen in Finnland: „ Loppu / Ände “ (Ende). Die Zeiger einer analogen Uhr zeigen eine Minute vor 12 an.
Da ist nur eine Sache: Hinter dem Bahnsteig, wo Gleise und Tunnel sein sollten, sind Wolken und blauer Himmel, als würden wir aus einem Flugzeug blicken. Der Betrachter bleibt stehen und wartet darauf, dass sich etwas im Bild bewegt. Menschen reagieren auf einen leuchtenden Bildschirm anders als auf einen Druck. Wir starren passiv darauf und erwarten, dass sich etwas ändert.
Ein Mann mit grau gesprenkeltem Bart betrachtete mit seiner etwa zehnjährigen Tochter, die einen rosa Pullover trug, „The End“. „Das ist die Endstation“, sagte er. Das Mädchen fragte: „Wovon?“
„Genau – was?“, sagte der Mann.
„Ist es das Ende der Welt?“
„Eine Welt, ja. Wessen Welt? Oder vielleicht nur die des Zuges.“
„Ist das wahr?“, fragte das Mädchen.
„Ich weiß es nicht“, sagte der Mann. „Es sieht wahr aus.“
Von Peter Marten, Juni 2023
